Exposiciones/Exposiciones ya finalizadas

Carta blanca y oscura en el CBA

Al Círculo de Bellas Artes, en estos días, hay que entrar con calma y pisada lenta; con la mirada valiente dispuesta a adentrarse en territorios íntimos, donde el arte no expresa belleza estética ortodoxa, ni nos vivifica por el lado luminoso, a no ser que sea por contraste. Hay que ir preparados para contraer el estómago y soportar el estoque en el vientre o en la conciencia.

El CBA acoge tres exposiciones dentro de esa carta blanca que le concedió PHotoESPAÑA al fotógrafo Alberto García-Alix. En ella, recordamos, el autor podía elegir los autores que quisiera, y bajo el título “La exaltación del Ser. Una mirada heterodoxa” se presentó hace unas semanas su proyecto fotográfico, como nos contó Irene en un anterior post. Pero, refrescando la memoria, este proyecto tan personal de García-Alix, unía a algunos de los fotógrafos que más le han impactado a lo largo de su carrera. Su punto de unión son las miradas heterodoxas, entendiendo esta como una forma de mirar íntima y personal, una vinculación con la fotografía y el fotógrafo profundamente estrecha. También por ser una belleza, y una búsqueda de lo sublime que golpea. Y es que para García- Alix, siguiendo a García Lorca, lo sublime no tiene ángel, tiene duende.

Estas tres exposiciones que se presentan en el CBA tiene un nexo de unión aún más palpable. Son obras oscuras, atenazadas por el blanco y el negro o colores tan oscuros que el color parece secuestrado en un intento de capturar lo irracional y aquella turbulencia que anida en lo profundo de las vísceras. Los tres fotógrafos elegidos en este espacio son: Antoine d´Agata, Paulo Nozolino y Pierre Molinier. Diferentes cronologías, diferentes contextos culturales, y en todos domina una presencia que trasciende de lo habitual y juegan con lo irracional, lo oscuro y el pathos.

Nosotros , como buenos historiadores, nos acogemos a lo cronológico para comenzar nuestra ideas.

Pierre Molinier (1900-1976) escribió “Ce fut homme sans moralité” (Fui un hombre sin moralidad) en una simulación de su epitafio, y esta es la denominación que se ha empleado en la muestra del fotógrafo localizada en la Sala Minerva. Esta sala pequeña, recogida y situada en la parte baja, en la que se accede bajando por las escaleras, nos da la idea de descender por la realidad y bajar hasta un estado diferente.

Al entrar, el color potente de las paredes y unos sillones de terciopelo verde justo enfrente de los cuadros parecen robar momentáneamente el protagonismo de las fotografías. Tras esta primera llamada de atención, nos fijamos más detenidamente, atendemos a los detalles, a las figuras pequeñas que son protagonistas, y aun morbosas, se hace relativamente difícil apartar la mirada. Bien decía García-Alix en la inauguración que era un modernismo gótico, nosotros añadimos también el adjetivo de macabro pues coquetea con risas perversas, ojos diabólicos. En las fotografías, aparece Pierre Molinier travestido, a veces andrógino, y otras veces juega con lo transexual. Las fotografías hedonistas del francés reflejan una potente sexualidad y una fantasía que permite jugar consigo mismo y con las identidades. Mira frontalmente a la cámara, sonríe, mira, se exhibe.

Las sillas justo al lado y enfrente de las imágenes, oímos de la voz desgarrada de García-Alix, dan la sensación de voyerismo. Sin embargo, nuestra lectura y tras habernos sentado en los sillones y observar, es diferente. El voyeur se esconde, goza de ver sin ser visto, su mirada es oblicua, no suele ser directa, se escamotea. En la exposición, esa mirada frontal y casi obligada que presentan las sillas frente a las imágenes nos recuerdan a espectáculos donde cabinas transparentes dejan ver sugerentes movimientos femeninos, mujeres sabiéndose vistas y un público que mira a través de las transparencias que está ahí para su disfrute y placer. Así, las sillas frontales que forman parte del atrezzo de la exposición, son lógicas en su relación con los deseos de Molinier y su reivindicación del placer, el onanismo, el sexo o, incluso, lo mórbido; pero también encontramos una contradicción entre el ser voyeur y el podernos sentirnos con esa sensación en la muestra.

Las fotografías formaban parte de los obsequios que enviaba a sus conocidos y amigos vía epistolar, por lo que proceden dos colecciones particulares y las cuatro de la entrada principal de la Galería Kamel Mennour. En cuanto a Molinier nació en Francia y procede de orígenes humildes. Fue pionero en el body art y encandiló a los surrealistas por sus juegos de imágenes ya que gustaba de hacer montajes con las fotografías, además de las pinturas que realizaba. Jugaba con su arte a la autorrepresentación y a la simulación, allí podría presentarse andrógino, homosexual y travesti, plenamente consciente, también, de su narcisismo y su búsqueda incansable de cualquier del placer carnal. Sus últimos años de vida los pasó en su casa encerrado, con muñecas, pistolas y otros objetos a los que fotografiaba o realizaba obras de artes, realizándose fotografías hasta que decidió acabar con su existencia.

Subiendo hasta llegar a la sala Goya, nos invade un negro y surge entre algunas luces la obra e intimidad de Paulo Nozolino (1955) y su Loaded Shine. Esta sala aparece en penumbra, en una penumbra densa oscura que casi es oscuridad total. Esto nos da cierta idea de infinito y de vacío, de soledad. Tiene algo también de gruta y de caverna, de estar en la profundidad de la tierra. Quizá sea eso lo que aporte sacralidad, una sacralidad algo espectral. Las fotografías que aquí aparecen son líneas verticales, el horizonte aparece roto, como si se cortase la línea del progreso y del futuro.

Paulo Nozolino, en este trabajo reflexiona en torno a los lugares de la ausencia y en lo que los detalles oscuros son el bajo continúo y el flash y la luz, una salpicadura rápida pero que queda petrificada en la fotografía y nos desvela. Parece casi una lucha, entre la luz y la oscuridad. Pero de ¿qué luces y oscuridades hablará? El fotógrafo portugués intenta comprender el mundo y el límite de la experiencia vital a partir de la fotografía ya que se cuestiona nuevas preguntas y da la oportunidad no solo de conocer lo que le rodea, sino a sí mismo. De ese conocimiento parte también una forma de comunicación con el otro.

Nozolino viajó desde joven. En la década de los 1970 fue a vivir a Londres, en la década siguiente a París. Posteriormente, viajó por Berlín y el mundo árabe, para regresar, finalmente, y establecerse definitivamente, en Lisboa. Utiliza cámaras analógicas, especialmente Leica. Suele caracterizarse por tomas oscuras, blancos o negros. Uno de sus trabajos más representativos es Bone Lonely, junto con los poemas de Rui Biao, y, sobre todo, Penumbra (1996), tomadas en zonas árabes.

En la sala Picasso Antoine d´Agata (1961) y su trabajo Corpus es el que se adueña del espacio como una cúspide de estos territorios oscuros. Un espacio que parece una instalación en el que se entremezclan grandes tiradas de fotografías como si fueran fotografías recién reveladas, y secuenciales. También hay vídeos, voces y narraciones, textos escritos por el autor, que además de ver el mundo y la experiencia a través del objetivo, emplea el lenguaje escrito para expresarse.

El nacimiento de la serie es casi experimental y biográfica del propio autor. Su contenido es fuerte, mórbido, real, y doloroso. Son tres acciones las que principalmente se suceden: sexo, drogas y gritos. Las imágenes aparecen movidas, presa de la acción que se estaba realizando, el ambiente oscuro y tórrido. En las fotografías se intercala la droga y el acto sexual; el cuerpo desnudo y la inyección. Dan la sensación de ser contrapuestos de una misma parte que resulta de la conjunción del exceso y del placer. Aparecen algunas de los temas fotográficos del autor como las prostitutas, el cuerpo de la mujer, animales, las drogas y eso ambientes marginales que son el telón de fondo. Los testimonios que aparecen, nos dejan sin aliento, ya que la fotografía y el proyecto de d´Agata es documentar aquellos territorios marginales, aunque en la experimentación parte también por el participar en ellos. Enlazamos una muestra de la manera en la que vive su exploración vital y artista en esta entrevista.

Antoine d´Agata pertenece a la agencia Magnum Photos y es francés de origen, aunque su formación radica en Estados Unidos. Uno de sus trabajos más señalados fue “Anticorps”, un extenso libro-catálogo donde aúna todas las formas de expresión dominada. La imagen, quieta y en movimiento, junto con lo sonoro y lo escrito, le ayuda a manifestar su proyecto vital y documental de los ambientes marginales donde la guerra y los conflictos se desarrollan, y donde, particularmente, el placer descarnado e ilegal no tiene frenos.

Conclusión

 Las tres muestras reseñadas no son obras amables, no son bondadosos cantos a la vida, aunque sí son caritativos los autores a la hora de dejar parte de ellos y de la intimidad a la vista de tantos como forma de hacer arte. Son exposiciones que, personalmente, nos parecen difíciles de ver, revuelven la mente, el alma, te dejan sin poder conversar con los de tu alrededor, te aíslan en la penumbra y te dejan descansar una vez te han revuelto. Tanto revuelven, que en dos de ellas (Molinier y d’Agata), hay advertencias de la entrada restringida a menores de edad.

Os invitamos a visitarlas, a sentaros en los sillones para ver si os llegáis a sentir voyeurs, a sentiros como en el mundo de Nozolino, que mientras se producía la inauguración de su obra, encontró la inspiración para continuar sacando fotografías con su Leica y, como no, a adentraros en las realidades de Antoine, sus perturbaciones, obsesiones, textos, vídeos, casos y, sobre todo, vivencias.

PD: Algunos textitos que pueden ser interesantes:

Sobre Pierre Molinier y sobre Paulo Nozolino.

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